INCREMENTUM

Incrementum es una feroz anatomía  de nuestra sociedad en la que el discurso marxista de la alienación laboral continúa en plena vigencia. El texto del genial George Perec es realmente brillante. Parte de un escueto planteamiento que cabe en 140 caracteres: unas oficinistas se plantean pedir un aumento de sueldo su jefe. Ante este axioma Perec despliega  una ecuación matemática en la que indaga las infinitas posibilidades que permite el azar. La acción entra en bucle frenético de repeticiones hilarantes en la que se  dibuja el perfil del absurdo. La acción es frenética a pesar de que no hay movimiento. Todo es un permanente flujo de conciencia senil. Es el eterno retorno de lo igual interpretado por un  Fernando Arrabal a pleno rendimiento de chinchón. El actor Sergio Peris-Mencheta dirige con acierto un lúcido montaje  con un elenco de actrices entregadas a la causa. Muy recomendable.

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Cabaret: carne y jolgorio para tiempos de crisis

El cabaret es una de las formas artísticas que mejor se amoldan a la posmodernidad: fragmentario, ecléctico y simultáneo. La prueba  de ello se encuentra en la buena salud  que actualmente  goza  este espectáculo de variedades. Hasta el pudoroso y recatado Circo del Sol dispone de Zumanity, su particular cabaret erótico en las Vegas. En España la oferta es variada: desde el  El plata, el cabaret concebido y dirigido por el cineasta Bigas Luna asentado en Zaragoza hasta el madrileño Cabaret Berlín donde cada semana la vedette Psicosis González desgrana purpurina y el desacato a partes iguales. La reciente reapertura de El Molino en Barcelona  viene a corroborar su salubridad. Además el cabaret es idóneo para las crisis -económicas o espirituales-, ya que propone un modelo redentor a través de la carne y de la risa.

El Price sigue apostando por este formato -ya lo hizo el año pasado con Pasión sin Puñales, un espectáculo conducido por Rosy de Palma-. Esta temporada apuestan por Crazy Love, un espectáculo dirigido por Olga Margallo y Antonio Muñoz de la Mesa. El lustroso coso del Price se viste de gala para consumar el sacrificio. La decoración dominada por el rojo burdeos es envolvente y sofisticada. Cuelgan del techo estructuras dalinianas, la pista central está rodeada de pequeñas mesas circulares donde poder tomar una copa. El hecho de que se pueda tomar una copa y escuchar a una orquesta de ocho músicos mientras se ve el espectáculo no es cuestión baladí. La virtud de las infraestructuras es a la vez su lastre ya que la esencia del cabaret  tiende a los pequeños tugurios, turbias atmósferas, paredes desconchadas y marineros despechados.

A pesar de ello el esfuerzo y los resultados son admirables. Psicosis Gonsáles ejerce de maestra de ceremonia junto a la experimentada Petra Martínez, de Uroc Teatro. La Psicosis es seguramente la que mejor encarna el espíritu caberetero: tiene sorna, astucia y  una afilada lengua que arranca las mayores carcajadas al público. Una de las perlas del cabaret es Kris Kermo, una leyenda viva del malabarismo. Técnicamente posee un control absoluto. Hace girar tres sombreros de copa, los lanza sobre un puro que sostiene en su boca para luego, tras tres botes sobre su frente, colocárselo en la cabeza sin despeinarse. Y esto es solo el principio… También hay acróbatas espectaculares, todos ellos gimnastas de primer nivel. La bailarina de burlesque, la perla negra, se encarga de la pirotecnia erotómana, que no deja de ser un tanto cándida. Le falta sombra  a la perla negra. Un número entrañable que rescata el Crazy Love que que está desapareciendo es el del lanzacuchillos. Toda la estética del número responde a su propio cliché. Coreografías impostadas, ropajes ochenteros…El lanzador luce coleta engominada, viste de riguroso negro, botín con tacón y cuchillo entre los dientes. Una rubia heroína  de rasgos nórdicos y curvas mediterráneas es la que osa a la muerte mientras gira y gira la ruleta de la diosa Fortuna.

Los números están bien encadenados, el ritmo no decae. Los conductores deparan una sorpresa final al estilo almodovariano. Con su moralina cabaretera incluida Que viva  el Horror Vacui. Que viva el Cabaret. 

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La ópera de los tres reales

La Opéra de los tres reales aúna todos los principios brechtianos de su teatro épico. Ahí radica su virtud y su lastre. El teatro épico, que poco tiene de épico en su acepción tradicional, es un heredero directo del marxismo historicista. Es un teatro subversivo cuya finalidad es la de agitar la conciencia del público. Utiliza la técnica del distanciamiento rompiendo  con los principios aristotélicos de unidad espacio temporal y con las técnicas naturalistas que promulgaba su coetáneo Stanislavsky. De la representación se pasa a la presentación de ideas: los personajes son arquetipos, interpelan al público, la escenografía es  fría y desnaturalizada buscando romper cualquier atismo ilusionista. La obra cuenta las aventuras y desventuras  de Mackie Navaja, un delincuente arrabalero y canalla que seduce a mujeres y público a partes iguales. La devastadora presencia escénica de Luis Tosar es uno de sus mayores alicientes.

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El castigo sin venganza, la eterna pugna del placer y el deber

En tiempos de Lope de Vega, (Madrid, 25 de noviembre de 1562- 27 de agosto de 1635) cuando algo respondía a la excelencia o la máxima calidad se acostumbraba a decir: “Es de Lope”. Esta muletilla ya nos sirve para calibrar la calidad de este dramaturgo madrileño que vivió y gozó la vida como pocos: intensos y sonados  fueron sus duelos literarios con Luis de Góngora, prolífica su obra, -escribió más de 3000 sonetos, 7 novelas, 9 poemas didácticos y varios centenares de novelas- además de una vida amorosa salvaje y licenciosa hasta la extenuación.

La compañía teatral Rakatá Teatro presenta El castigo sin venganza,  una de las últimas obras que concibió Lope. La trama ahonda en la eterna pugna entre el deber y el placer. Desatar las bridas de la concupiscencia o acatar la contención de la razón y  la mesura. También propone un dilema entre la libertad individual y el código moral que exige la  sociedad para ser aceptado en ella .

 La obra es una tragedia que cuenta la historia del Duque de Ferrara, un hombre de vida disoluta y entregada a los placeres mundanos- probablemente un trasunto del propio Lope- que se ve obligado a casarse con una joven aristócrata para acallar los comentarios y las críticas de sus vasallos que le exigen un hijo legítimo, ya que todos los que tiene son bastardos y no pueden heredar según las costumbres de la época. Entre ellos su favorito es Federico, que acabará prendado por su, ahora madrastra. Se suceden, como es típico del Siglo de Oro las historias paralelas,  enredos, retruécanos, hipérboles y demás excesos barrocos que bajo la pluma de Lope se hacen ligeros y atinados. Pese a sus cuatrocientos años de antigüedad la obra  sigue en plena vigencia.

 A pesar de que el teatro de Lope se basa fundamentalmente en el texto se echa en falta una escenografía y unas transiciones escénicas más elaboradas y una iluminación más ricas. La interpretación  es correcta, dada la complejidad que entraña el recitar en verso, donde el ritmo dramático tiene que correr parejo con el verso. No obstante el esfuerzo de los actores y el magistral texto hacen una de ello una obra entretenida y edificante que, como las buenas obras, genera más preguntas que respuestas. 

El chico de la última fila

Juan Mayorga ha escrito un texto audaz y brillante, comprensible a la par que complejo. Retoma de una manera muy particular la narrativa epistolar.Las cartas se transforman en redacciones que van hilando la trama argumental y a lo largo de la obra.. El chico de la última fila cuenta la historia de Claudio,un alumno tímido y solitario que sorprende de sobremanera a su profesor de literatura al redactar con desmesurada calidad literaria un ejercicio de clase en el que tenían que describir lo que habían hecho el fin de semana. Además para sorpresa de Germán, el profesor, Claudio explica lo que ocurre en la casa de otro compañero suyo de clase. Parece como si quisiera vampirizar la vida de los otros porque la suya no le gusta o ya no le interesa. La maraña se va enredadando y cada vez el alumno penetra más en la familia a la que visita para poder continuar con su relato del que su profesor ha quedado totalmente fascinado. Otro acierto del texto es comprobar como poco a pocOpciones de entradao la trama se va oscureciendo y el en principio juego de niño se va transformando en algo obsesivo. Se valora el esfuerzo de Mayorga por buscar la cuadratura del círculo sin embargo la resolución es un poco forzada y en los últimos embates la obra pierde ritmo.

La obra invierta el tópico de la admiración del discípulo-maestro. Es el profesor quien admira profundamente a Claudio ya éste posee lo que él nunca tuvo: el don de la escritura. Es un texto metaliterario que reflexiona sobre el propio proceso creador: la necesidad de la experiencia empírica para la escritura, la crítica a las distintas escuelas tradicionales o la importancia del punto de vista. En su disquisición literaria también reflexiona sobre la relación entre objeto sujeto;¿el arte imita a la vida o es la vida la que imita al arte, como proponía Oscar Wilde?

La dirección escénica también es muy acertada. Victor Velasco propone un escenario sobre el suelo construido con mesas de escuela en una lograda búsqueda de la esencialidad de las formas. La acción transcurre en cuatro escenarios que se van construyendo ad hoc sobre la tarima hecha de pupitres. Eso le da una gran agilidad a la obra y exige un gran trabajo de atención por parte del espectador. Las escenas se van solapando una tras y con el simple clic de una lámpara pasamos del despacho del profesor al balcón de la casa de la familia vampirizada. Es una obra que exige un gran esfuerzo actoral. Los actores tienen que responder a la ágil sucesión de escenas. Además deben de ocupar la totalidad del tiempo y pintar espacio escénico. A destacar el trabajo del joven Samuel Viyuela que interpreta a Claudio, que muestra una madurez y una solvencia escénica inusitada para sus 23 años. Habrá que seguirle la pista.

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Teatro de la cuarta pared. Hasta el 24 de julio.
Dirección: Víctor Velasco
Espacio escénico: Israel Muñoz y Víctor Velasco

Oleana

David Mamet es el autor teatral  que a mi juicio mejor ha sabido capturar la esencia de la contemporaneidad: ecléctica, paradójica y convulsa. Es un autor incómodo,  políticamente incorrecto. Huye de las moralinas y deja a los personajes que hablen, que respiren por sí mismos. Oleanna aborda la pugna de poder entre un profesor universitario a punto de obtener una cátedra y una alumna que ha suspendido un examen. La audacia de Mamet permite que esta situación, a priori anodina, nos lleve  a reflexionar sobre cuestiones como la incomunicación, la identidad de clase, el machismo, el lenguaje políticamente correcto o  el acceso universal a la educación. Es un texto ambiguo y matizable; complejo interpretativamente a la par que enriquecedor. Muy a tener en cuenta a  Irene Escolar que interpreta a Carol, la estudiante. A sus 22 años la sobrina de Emilio Gutiérrez Caba firma una gran actuación con garbo y sin complejos mostrando una madurez escénica inusitada para su edad.

El viento de un violín

Algo está cambiando… también en la dramaturgia argentina. Sin lugar a dudas el culpable de ello es Claudio Tolcachir. El viento de un violín aborda el gran pecado capital: la búsqueda de la felicidad. Para ello despliega un rico fitoplancton humano en el que  disecciona el alma  con bisturí.  El caldo de cultivo es la familia y los microorganismos que pululan abordan de manera cómica asuntos trágicos como la dificultad de ser madre de dos lesbianas o el amor castrante de una madre sobre un hijo que vaga sin rumbo. Los chispeantes y rítmicos diálogos recuerdan al mejor Mamet. Actoralmente nos dan toda una lección de cómo hacer visible lo invisible. Las transiciones escenográficas son espectaculares: un par de camas en el escenario construyen dos mundos, dos ambientes antagónicos. Un golpe en el umbral de una puerta nos traslada  del uno al otro. Todo suena afinado, hasta el silencio.
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Naves del Español- Matadero (hasta el 5 de junio)                                                                                    Dirección: Claudio Tolcachir
Actores: Inda Lavalle, Tamara Kiper, Miriam Odorico, Araceli Dvoskin, Lautaro Perotti y Gonzalo Ruiz
Iluminación: Omar Possemato Escenografía: Gonzalo Córdoba Estevez
Diseño espacial: Claudio Tolcachir

The Comedy of errors

Una de las singularidades de la vanagloriada compañía inglesa Propeller, dedicada solo al repertorio de Shakespeare, radica en que utilizan únicamente hombres en sus representaciones, tal como lo hacían en la época isabelina. Ninguna novedad: la tragedia griega clásica, en el teatro katakali indio o la danza japonesa Butoh, han sido tradicionalmente interpretadas únicamente por varones. Texto clásico + acción contemporánea + estética cutre (los actores lucen camisas estampadas y gorros de mexicano en una hipotética fiesta que bien podría ser Torremolinos) está perfectamente sincronizada con  la tendencias europea actuales. Calixto Bieito o Alex Rigola están cansados de meter en escena tías meando, bolsas del Día con anfetas y camisetas del barça. Desmontada la novedad nos queda lo esencial: un nutrido grupo de brillantes  actores que se ponen a las órdenes del reputado director Edgard Hall, construyendo una hilarante  y compacta comedia. Uno de los platos fuertes del Festival de Otoño. En Primavera.

Fando y Lis

Fando y Lis es una metonimia del propio Fernando Arrabal. Si apuntamos a su significado psicoanalítico encontramos pistas: “proceso psíquico con el que el inconsciente intenta manifestarse”. Arrabal es el único personaje que habita en su extensa obra. Toda ella es un ceremonial a través de la cual redime unos  dislocados  y variopintos traumas infantiles, que gracias al dios Pan, siguen en plena forma. Arrabal es el principio y el final de la espiral. Es la bruma divina que babea de un rotweiler, el filo oxidado del pétalo de una rosa, el reguero de orina de una estatua de sal. Una obra imprescindible, salvaje y poética. Fando y Lis, amantes de lo imposible (ella paralítica, el imponente) están de camino a la misteriosa y desconocida tierra de Tar donde, según dicen, habita la bondad. De fondo se escuchan las ametralladoras de los nacionales. A Tar, a Tar, a Tar es imposible llegar…
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Teatro Círculo de Bellas Artes. Hasta el 29 de mayo
Dirección: Quique Culebras
Intérpretes: Jorge Yanam Serrano, Paloma Sánchez de Andrés

El Circo del Sol

El Circo del Sol ha perpetrado un planteamiento dramático valiente y audaz más propio de un relato de Lovecraft que de la temática tradicional circense: un payaso sueña su propio entierro; mientras languidece en su ataúd, cuna de los finados, observa desde la vanidad más absoluta quién ha acudido a la más fúnebre de las representaciones y  quien envió a lustrosas plañideras para que  derramaran  lágrimas de sal. Todo un caldo de cultivo para  el análisis  del inconsciente colectivo. No obstante sobre el mundo del circo siempre ha planeado la sombra de lo trágico: ha estado tradicionalmente compuesto por parias, apátridas, y gentes arrabaleras. En sus inicios los payasos eran trapecistas que habían sufrido algún tipo de accidente.  El espectáculo aúna a los mejores acróbatas del mundo, muchos de ellos ex olímpicos; una estética y una puesta en escena trabajada hasta el más mínimo detalle. Posiblemente el mejor espectáculo circense que se puede ver en el mundo. Ustedes verán.

Fuga

El neurótico más conocido de Manhattan  aseguraba que una comedia es una tragedia más tiempo. En Fuga esta sentencia resulta lapidaria: un ministro que ha sido cesado por corrupción está a punto de suicidarse cuando de repente entra una singular vendedora ambulante de extrarradio. A continuación  la trama comienza a enredarse en un sinfín de situaciones rocambolescas e hilarantes en las que el público se ve irremediablemente arrastrado. Frenético es la palabra adecuada para denominar el ritmo que posee la representación acertadamente armada por Jordy Galcerán, un autor catalán conocido por su famosa obra El método Grönlhom. A lo largo de la función se producen dos giros copernicanos que llevan a su máxima expresión la máxima teatral: nada es lo que parece. Es una comedia que transita en horizontal, trufada con diálogos chispeantes y mucho swing. Mejor dejar los axiomas filosóficos  en el cajón de la mesilla. A los escépticos siempre les quedará recrearse con las interminables piernas de Kira Miró.

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Teatro Alcázar

Autor: Jordi Galcerán

Director: Tamzin Townsed

Intérpretes: Amparo Larrañaga, José Luis Gil, Kira Miró, Mauro Muñiz y Frances Albiol

Un tranvía llamado deseo

Tenessee Williams seduce porque se asoma al precipicio. Y a los mortales nos encanta sentir la suave brisa de la muerte acariciándonos la mejilla desde la tranquilidad del balcón. La narrativa de Williams recorre paisajes plagados de personajes inadaptados, marginales, y desamparados. El tranvía se sumerge en los dominios de la sinrazón. Blanche, una madura profesora de instituto visita a su hermana Stella, que vive en Nueva Orleans con su rústico marido Stanley. Las investigaciones de Stanley acerca del pasado de su cuñada desvelarán que nada es lo que parece. La imbricada trama del tranvía es todo un estudio de las frustraciones, sombras y caras b de la condición humana. Mario Gas dirige con acierto a una obra compleja de afrontar por sus múltiples niveles de lectura, ya que lo importante, más que nunca, es lo que no se ve.

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Teatro Español (hasta el 10 de abril)
Dirección Mario Gas
Con: Vicky Peña, Roberto Álamo, Ariadna Gil , Alex Casanovas, Anabel Moreno Alberto Iglesias, Pietro Olivera, Ignacio Jiménez, Jaro Onsurbe Mariana Cordero
Escenografía: Juan Sanz y Miguel Ángel Coso

Penumbra

Penumbra es un especie abisal que nada a través de las insondables profundidades del alma. Ilumina con su minúscula claraboya fluorescente la materia que paraliza los sentidos y nos impide reconciliarnos con la vida. Miedo a hacer daño, miedo al dolor, miedo a tener miedo. Mayorga y Cavestany firman al alimón un texto valiente y sin ningún tipo de complacencia, contemporáneo, y a la vez, universal. Una joven pareja con un niño van a pasar sus vacaciones a una casa en la playa. Una vez allí una ténue pero persistente penumbra se irá instalando en el ambiente... El planteamiento recuerda a las inquietantes atmósferas del primer Bergman. Una de las (gratas) sorpresas de la temporada. La música de Pascal Comelade, y la minimalista y evocadora escenografía de Beatriz San Juan completan el festín.

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Naves del Español. Matadero

Texto: Juan Cavestany y Juan Mayorga
Dirección: Andrés Lima

Actores: Luis Bermejo, Guillermo Toledo, Nathalie Poza, Alberto San Juan, Guillermo Toledo

Escenografía: Beatriz San Juan

El Canto del cisne

Nada más  atravesar el umbral del Teatro de la Puerta Estrecha se inicia la liturgia que nos sumerge en el estado espiritual idóneo para la representación: maletas que algún día gravitaron alrededor del mundo, un reloj de estación de tren que marcaba las horas de los amantes, un titiritero de papel cuché que  juega con sus marionetas, -como si fuera un Dios que se divierte con el destino de sus criaturas-, muñecas de porcelana, un caballo balancín y hasta un pequeño bar que nunca estuvo de moda… Sin lugar a dudas de los teatros más hermosos y sugerentes  de Madrid. El canto del cisne es un estudio dramático de Antón Chéjov que aborda los últimos días de  gran una diva del teatro  que dialoga, a modo de despedida, con las personas/personajes que la acompañaron a lo largo de su itinerario vital. El director, Rodolfo Cortizo, produce un texto grave y conmovedor plagado de evocadoras imágenes poéticas que exigen al espectador una entrega total. Altamente recomendable.

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Teatro de la Puerta Estrecha

Dirección: Rodolfo Cortizo 

Intérpretes: Concha Roales-Nieto, Nicolás Fryd Violeta Jara y José Gonçalo País

 

Este sol de la infancia

Confirmo mis sospechas de que actualmente el teatro  más interesante e irreverente se gesta en las pequeñas salas alternativas de la ciudad. Ante la falta de recursos económicos, imaginación y pasión. Un claro ejemplo es el Teatro de la Puerta Estrecha, que con la obra Este sol de la infancia propone una revisión de los últimos días del poeta Antonio Machado en su exilio de Colliure. Por cierto, el título alude al posiblemente último verso que el poeta escribió. Tras su muerte fue encontrado en un minúsculo papel arrugado en el interior de su abrigo. Un valiente planteamiento escénico, (que transforma un espacio de dos plantas y varias habitaciones en un inmenso escenario por el que el público se mueve a su antojo) sustenta un texto que combina ágilmente los versos del poeta con la narración dramática. El director, Rodolfo Cortizo, se encarga de crear una atmósfera con trazos oníricos en la que nada es lo que parece, y los vivos y los muertes cohabitan en perfecta armonía. No os la perdáis.

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Teatro de la puerta estrecha (hasta el 26 de junio)

Texto:Eusebio Calonge

Dirección: Rodolfo Cortizo

Intérpretes:Eva Varela Lasheras, Concha Roales-Nieto, José Gonçalo Pais, Rodolfo Cortizo,
Nicolás Fryd, Violeta Jara y Sayo Almeida